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Prix l'Occitane

Virginie Domeny — 2026-05-20T13:39:56Z

Júlia Lema Barros est artiste multimédia, lauréate de la première édition du Prix Cultures, initié par L'Occitane en Provence et Le Réseau Provence Culture*.

Ce prix a été créé à l'occasion du cinquantième anniversaire de la Maison l'Occitane afin de mettre à l'honneur la créativité et la diversité de la scène artistique émergente du territoire qui réinvente la Provence.

Vingt artistes liés à la Provence ont été invités à travailler autour d'une notion large : le lien. Lien à la nature, aux autres, à soi, à la mémoire, aux lieux. À l'issue d'une sélection menée par un jury de onze membres, quatre finalistes ont été distingués, dans une parfaite parité femmes-hommes. Pendant sa formation, Júlia a développé des compétences spécialisées dans la création d'univers immersifs mêlant image, son et espace auprès des équipes pédagogiques de l'école d'art.
L'accompagnement à la professionnalisation lui a permis de se saisir de projets d'envergure.

Son travail s'articule autour de la perception sensorielle et de l'imaginaire, à travers des installations et performances où la technologie devient matière vivante. Elle expose régulièrement son travail en Europe, et en France et elle a participé à plusieurs Biennale de l'art contemporain d'Aix-en-Provence. Ces dernières années elle a aussi reçu le prix Portuguese Emerging Arts 2023, le Prix des Amis du Musée Granet, et fait une résidence au Sound Art Lab au Danemark avec le soutien de Creative Europe et du Goethe-Institut.

Contes silencios, l'œuvre primée de Júlia Lema Barros propose une installation pensée comme une résonance pour l'Hotel & Spa Le Couvent des Minimes, mêlant sensibilité et poésie et réalisée grâce aux généreux prix de 20 000 euros reçu par la lauréate.

Sa pièce sera exposée pendant un an à partir de fin mai 2026 (date à confirmer) au Couvent des Minimes à Mane, un lieu du XVIIe siècle devenu hôtel cinq étoiles de L'Occitane en Provence, niché en Haute-Provence.

*Réseau fondé en 2023 qui réunit douze acteurs culturels majeurs : l'École supérieure d'art Félix Ciccolini, le Pavillon Noir, le Centre d'Art Tadao Ando du Château La Coste, le Centre international des arts en mouvement (Ciam), le Festival d'art lyrique, le Festival international de piano de La Roque d'Anthéron, la Fondation Vasarely, le GTP, l'hôtel de Caumont, la compagnie Grenade, le musée Granet et le 6MIC

Verdes Anos par Júlia Lema Barros

Virginie Domeny — 2026-05-20T13:25:28Z

Verdes Anos (Années Vertes) est une installation audiovisuelle et sculpturale conçue pour le jardin du Monument Joseph Sec.

Inspirée par l'histoire du lieu, ses sculptures et sa végétation envahissante, l'œuvre prend aujourd'hui la forme d'un volume sculptural de grande échelle, composé de fragments de valises et de récits incrustés dans un corps organo-minérale. La sculpture, envahie par des plantes qui émergent de son intérieur, évoque à la fois une arche, une ruine et un corps en transformation. Des récits de voyages et de migrations, diffusés depuis l'intérieur du volume, composent une polyphonie de langues et de mémoires, en dialogue direct avec la figure de Noé présente dans le jardin.
Entre jardins de Babylone, tour de Babel et activisme végétal, Verdes Anos interroge la mémoire des déplacements, la persistance du vivant et le temps qui recouvre, transforme et efface.

Légendes urbaines avec Mia Radford

Virginie Domeny — 2026-04-30T09:09:06Z

L'exposition Légendes Urbaines réunit les peintures à l'huile de Mia Radford, diplômée de l'ÉsaAix, et les dessins d'intérieurs d'Helbe, dans un dialogue où l'intime rencontre le mythe, et où le quotidien se charge d'une mémoire invisible.

Dans ses toiles, Mia Radford compose des scènes habitées par une tension entre réel et imaginaire. Des figures contemporaines, souvent issues de son entourage, évoluent dans des décors qui semblent suspendus hors du temps. L'espace pictural devient un lieu de transformation : les corps dialoguent avec des présences animales, les regards se perdent dans des profondeurs symboliques, et la lumière révèle autant qu'elle dissimule. Inspirée par les récits mythologiques et les héritages familiaux, sa peinture explore les liens entre mémoire intime et récits collectifs, entre instinct et construction culturelle. Chaque image agit comme une légende en train de s'écrire, où les histoires personnelles prennent une dimension universelle.

En écho, les dessins d'Helbe ouvrent des espaces silencieux. Intérieurs vides ou habités par l'absence, ses compositions capturent des fragments de vie figés, des lieux chargés d'une présence diffuse. L'architecture y devient sensible, presque organique, comme si les murs retenaient les traces de ceux qui les ont traversés. À travers une économie de moyens, Helbe donne à voir une autre forme de narration tout aussi habitée.

Légendes Urbaines propose ainsi une traversée entre deux formes d'habitation du monde : l'une incarnée, traversée par les corps, les récits et les symboles ; l'autre intériorisée, inscrite dans les lieux et leurs silences. Entre peinture et dessin, entre présence et absence, l'exposition fait émerger des mythologies contemporaines, nichées au cœur même de nos environnements familiers.

Lio Rof Sanchez à HYBRID'ART

Virginie Domeny — 2026-04-28T09:34:52Z

Créé en 2017 par la ville de Port de Bouc et l'Association Art et Créations, HYBRID'ART – Salon d'art contemporain présente la sélection sur appel à projet national et international d'une dizaine d'artistes professionnels, de quelques artistes fondateurs de la manifestation et d'étudiants issus des écoles d'arts diplômantes de la région.

HYBRID'ART salon d'art contemporain est conçu dans une logique de valorisation des diversités, il fait se rencontrer dessin, volume, photographie, peinture, installation, gravure, vidéo… dans un même espace. Chaque année un « artiste coup de cœur » est choisi par un jury, qui reçoit une bourse d'achat d'une de ses oeuvres par la commune. Cette dernière est par la suite plébiscitée dans le cadre de nombreuses initiatives locales et régionales contribuant au rayonnement de l'artiste.
Durant 2 semaines c'est toute une programmation associée : théâtre, musique, conférence, workshops, cinéma… qui se met en place et fédère les initiatives culturelles de la ville, ayant pour vocation l'ouverture de l'art sur notre société dans une dynamique de soutien à la création contemporaine et d'éducation populaire.
En 2026, HYBRID'ART est partenaire du magazine Artension, avec un prix spécifique de la rédaction décerné à l'un des artistes de l'édition.

Aux côtés des artistes professionnel·les sélectionné·es, le Centre d'Arts Fernand Léger, offre un espace d'accrochage libre aux étudiant·es des universités et écoles d'art professionnalisantes de la région permettant d'expérimentater une première expérience professionnelle et de côtoyer des artistes et des institutionnel·les afin de créer un premier réseau, nécessaire au lancement d'un début de carrière. De nombreux étudiant·es ayant participé à l'espace SUP'ART, depuis sa création, ont par la suite bénéficié de projets avec le Centre d'arts Fernand Léger (expositions, résidences…). Les candidatures des étudiant·es sont analysées dans le cadre d'un jury constitué de professionnel·les du monde de l'art, après avoir bénéficié d'un accompagnement par les équipes du service professionnalisation de leur école de rattachement. Les étudiant·es sélectionnés bénéficient d'un espace d'accrochage personnalisé, d'un encart spécial dans le catalogue du salon, et de l'organisation d'un temps de rencontre avec un collège de professionnel·les réunis par les organisateurs le jour du vernissage.

Membres du jury

Christophe Galatry, fondateur de l'association Par ce Passage infranchi
Céline Laudin, directrice du musée Ziem de Martigues
Laure Lamarre-Flores, directrice du centre d'arts Fernand Léger
Clémence Plantard, responsable de la diffusion éducative au Fonds régional d'art contemporain Sud
Daria Pouligo Golestan, directrice du festival du film d'artiste AVIFF
Guy Thibert et Régine Olive, président et trésorière de l'association Art et Création
Véronique Traquandi ancienne conseillère arts plastiques du Département des Bouches-du-Rhône
Tina Rondini, céramiste et professeure au centre d'arts Fernand Léger

Une Relève Méditerranéenne avec Amir Youssef

Virginie Domeny — 2026-04-27T14:40:11Z

Une Relève Méditerranéenne I 16 jeunes artistes lauréats, dont Amir Youssef, diplômé de l'ESAAix, et Mounia Bouchra, diplômée de l'INBA accueillie en résidence à l'ESAAix

Dans le cadre de la Saison Méditerranée 2026, l'association Parallèle, L'École(s) du Sud et quatre partenaires des écoles d'art et du réseau MIRAMAR — l'Académie Libanaise des Beaux-Arts, le centre DARET, l'Institut National des Beaux-Arts de Tétouan, et Les Ateliers Sauvages d'Alger — se sont associés pour porter Une Relève Méditerranéenne.

Une Relève Méditerranéenne rassemble 16 artistes méditerranéen·nes émergent·es autour d'une grande exposition collective et transdisciplinaire, qui viendra clôturer un ensemble de résidences artistiques, de rencontres et de compagnonnages effectués au printemps 2026 en région Sud-Est.

L'exposition prendra place du 21 mai au 9 août 2026 à Marseille, sur le 5e plateau de la Friche la Belle de Mai. Une programmation publique sera associée. Le vernissage de l'exposition aura lieu le 20 mai à partir de 17h, dans le cadre de l'inauguration de la Saison Méditerranée à La Friche.

Parmi les 8 artistes lauréat·es diplômé·es des École(s) du Sud, c'est Amir Youssef qui a été sélectionné en tant que diplômé de l'ESAAix.

Parmi les 8 artistes lauréat·es de la rive Sud de la Méditerranée (Maroc, Algérie, Liban), c'est Mounia Bouchra, diplômée de l'INBA de Tétouan au Maroc, qui est accueillie en résidence à l'ESAAix.
Mounia Bouchra va travailler notamment au sein des ateliers SON, VOLUME, dans la perspective d'une installation sonore et multimédia, et en lien avec le laboratoire de recherche LOCUS SONUS VITAE, qui accueille simultanément deux artistes-chercheurs en résidence.

La curation de l'exposition a été confiée à la commissaire Soukaina Aboulaoula, commissaire d'exposition et chercheuse indépendante basée à Marrakech au Maroc.

Percolation – Passer au travers avec Aloïs Frost

Virginie Domeny — 2026-04-27T13:49:43Z

La percolation désigne pour un milieu l'unité de mesure de sa traversabilité. Plus une structure est poreuse, plus elle est sujette aux changements brusques. Être sensible à la percolation représente à la fois une fragilité et une capacité d'adaptation.

Cette exposition collective tend à explorer les lieux les plus intimes pour se rendre ensuite sur des territoires plus vastes et inconnus. Traversant les creux de nos voix, de nos respirations, nos mondes propres et nos chambres, jusqu'au sein des abysses et au-dessous des manteaux terrestres. Il se dessine des paysages qui semblent désolés, posant la question de la possibilité de la relation à un environnement contemporain abîmé. Comment habiter ce devenir-ruine, ce qui a été laissé là, ce dont on hérite ?

Aloïs Frost (LabPro, diplômée DNSEP 2025) a rencontré Blanche Coquerel et Gabriel Garçonnat précédemment lors de la résidence d'écritures Le Grand Bain à la Ciotat en novembre 2025. Ce projet de résidence liée à l'émergence de jeunes artistes est coordonné par La Marelle-résidences d'écritures Marseille, Mécènes du sud, les écoles supérieures d'art d'Aix-en-Provence, Marseille, Toulon.

« Mon travail est traversé de fragilités, de tensions, d'attentions portées aux lieux et aux autres ; la mise en mouvement y est sans doute toujours le point de départ. Il s'agit de commencer par une sensation, une observation, une nécessité. Les gestes répétés tendent à révéler les implicites. Pointer une fissure ici, souligner un soupir là. La recherche quotidienne met en dialogue des écritures chorégraphiques, des objets manipulables, des objets édités... Tous susceptibles de se répondre, de se répandre, et d'évoluer. Au sein de rythmes parfois effrénés, je tente de trouver des stratégies de repos, de respiration, et me questionne sur les interstices au-dehors de l'utlitaire. J'essaie d'envisager les souffles, les creux, les silences et les voix comme autant d'éléments ambivalents et coexistants dans la mise en place de pratiques presque rituelles. La transmission est alors un endroit clé des pratiques du commun : l'objet éditorial — mode d'emploi, notice, carte — devient un moyen de multiplier les outils, qui peuvent amener à faire, refaire, défaire. A travers ces dispositifs, je m'attache à faire de mes pratiques des espaces de possibles, des interfaces résolument anti-productivistes, échappant à la fétichisation. Les gestes anti-spectaculaires traversent, puis s'ancrent dans les paysages et les architectures qui m'entourent. Comment les habiter, comment y créer du commun, y établir des pratiques de soin ? Penser et panser les fatigues, les besoins, les zones de contact, porter une oreille attentive à la porosité entre les corps et à leurs manières de communiquer, sont aussi pour moi des manières de construire une éthique de travail située, une écoute radicale, une poésie doucement révolutionnaire. » (Aloïs Frost)

Scrivere la notte. Cartographies nocturnes entre Art Brut et art contemporain

Virginie Domeny — 2026-03-25T14:10:42Z

L'exposition Scrivere la notte réunit quatre artistes qui partagent une position singulière dans le paysage de l'art contemporain : une distance naturelle, parfois instinctive, à l'égard des codes, des attentes et des rituels du système de l'art.

Discrets, parfois en retrait, ils développent leurs pratiques dans des espaces de travail protégés, à l'écart des dynamiques de visibilité habituelles.

« Je les ai rencontrés dans leurs ateliers, dans leurs refuges - des lieux de concentration où l'image se construit lentement, dans une relation intime au temps et à la pensée. Une forme de fraternité silencieuse relie ces artistes : une même exigence de liberté, une même fidélité à un geste artistique qui se développe en dehors des catégories établies. »

C'est précisément ce type de recherche que SIC12 Art Studio s'attache à accompagner. Les œuvres présentées semblent émerger d'un territoire intérieur : celui de la nuit. Non pas comme simple motif, mais comme condition mentale. Dans ce contexte, le dessin et la peinture deviennent des formes d'écriture. Des signes qui tracent des cartographies instables, des paysages mentaux où se mêlent mémoire, rêve et invention. Ces œuvres ne représentent pas la nuit : elles la traversent.

SIC12 Art Studio Espace indépendant est basé à Rome. Ce lieu soutient le dialogue entre art contemporain et Art Brut. Depuis 2021, le projet « Guide di comunità » implique des participants du Centre de Santé Mentale San Paolo dans la médiation culturelle. Les fondateurs, Gustavo Giacosa et Fausto Ferraiuolo envisage cet espace à Rome et celui basé à Aix en Provence ( SIC.12), comme une plateforme pluridisciplinaire entre l'Italie et la France pour la création et la diffusion de spectacle vivant, danse théâtre, musique, arts plastiques dans ses acceptions larges allant jusqu'à l'art brut.

Les artistes
Lucien Simart Lucien est diplômé de l'Esaaix en 2025 et inscrit en LabPro à l'Esaaix en 2026. « L'expression artistique n'est pas une passion, c'est plutôt comme un organe vital : je ne peux pas vivre sans ou m'imaginer de m'en séparer. Les thématiques de mes œuvres sont plutôt sombres. Je m'exprime également à travers plusieurs alter ego ». Lucien Simart

Ulises Canales Sáenz Dès l'enfance, il développe une relation singulière aux nombres et au dessin. Le dessin devient pour lui un espace de concentration et d'expression, donnant naissance à une œuvre construite comme une cartographie mentale.

Serge Cantero Peintre suisse, il développe une peinture proche de l'écriture automatique où figures et architectures émergent progressivement entre mémoire et imagination.

Massimo Nota (Notamax) Artiste italien, il mêle texte, dessin et peinture dans une écriture visuelle stratifiée où narration et image se rencontrent.

Par-delà les Mille et Une Nuits avec Amir Youssef

Virginie Domeny — 2026-03-17T10:45:30Z

Avec près de 300 chefs-d'œuvre, l'exposition Par-delà les Mille et Une Nuits. Histoires des orientalismes invite à un voyage à travers le temps pour découvrir comment formes, imaginaires et savoirs circulent et se transforment.

L'exposition explore les vies multiples des œuvres — les destins des objets depuis leur création, leurs voyages, leurs réinterprétations — et interroge la manière dont se construisent, se transforment et se transmettent les récits.

Pour la première fois, un ensemble remarquable issu du département des Arts de l'Islam du musée du Louvre, comprenant plusieurs chef d'œuvres emblématiques, est présenté au Louvre-Lens. Ce prêt inédit est complété par des œuvres provenant de collections françaises et belges.De Paris à Ispahan, de l'Alhambra au Caire, de Constantinople à Venise et Alger, elle propose un voyage dans l'espace et dans le temps, où se croisent objets, imaginaires, humains et histoires.

Tout au long du parcours chronologique de l'exposition, des contrepoints contemporains prolongent cette réflexion : des artistes vivants – Abbas Akbari, Kader Attia, Dalila Dalléas Bouzar, Nezaket Ekici, Katia Kameli, Nicene Kossentini, Fatima Mazmouz, Sara Ouhaddou, Nazanin Pouyandeh, Zineb Sedira, Wael Shawky, Rayan Yasmineh, Nil Yalter, Amir Youssef – revisitent ces héritages et proposent de nouvelles lectures qui continuent de questionner le présent.

Entre passé, présent et futur, l'exposition invite à penser autrement la diffusion des formes et la manière dont nous regardons les œuvres aujourd'hui. Revenir aux « Mille et Une Nuits » et aller « par-delà », c'est reconnaître que les orientalismes sont des récits. Comme tous les récits, ils ont été et peuvent être transmis, réécrits, modifiés, questionnés, enrichis, critiqués, recréés. Comme tous les récits, ils comportent leurs parts d'ombre et de lumière. Comme tous les récits, la suite de l'histoire reste à écrire, comme l'expriment les regards des artistes contemporains.

Hors-Champ Picturalités

Virginie Domeny — 2026-02-19T15:01:28Z

Sous le commissariat de Julie Borgeaud, accompagnement curatorial assuré par Christiane Courbon, dans le cadre du festival PAC.

Quatre jeunes diplômé·es de l'École Supérieure d'Art d'Aix-en-Provence s'emparent du projet Picturalités 2026 développé par ARTEUM MAC pour la 4ème année consécutive. Dans le cadre du focus sur l'Italie de la Biennale d'Aix-en-Provence, iels engagent pleinement un dialogue avec l'œuvre du peintre romain Sergio Ceccotti. L'historienne de l'art et commissaire d'exposition Julie Borgeaud, spécialiste de l'œuvre de Ceccotti, accompagne cette rencontre entre la relève artistique contemporaine et l'œuvre du peintre romain.

Né en 1935, ancien juriste, Sergio Ceccotti a développé une peinture marquée par la tension du hors-champ et la fragmentation de l'espace, le travail de la lumière et de la couleur, dans un langage inspiré du cinéma qui révèle l'étrangeté du quotidien, nourrit les questionnements. Les jeunes diplômé·es s'emparent de ces enjeux, auxquels leur propre pratique fait souvent écho, et instaurent un dialogue critique avec l'œuvre du peintre.

Écritures automatiques avec Rémi Lécussan

Virginie Domeny — 2026-02-11T08:31:00Z

« Des veines du bois aux constellations, en passant par les empreintes laissées par les animaux sur le sol, le monde se donne à lire. Mais qu'en est-il des traces produites par les machines ? Peuvent-elles, elles aussi, faire écriture ?
Ces traces prennent ici le nom de 兆 , idéogramme choisi par l'artiste Rémi Lécussan pour désigner les écritures automatiques qui traversent l'exposition et se transforment en présages : des marques porteuses de récits, et d'avenirs encore à venir. Les ailes d'un drone, les soubresauts d'une carpe en peluche ou les bégaiements d'une machine déréglée relèvent-ils, eux aussi, du présage ? Que disent-ils ? Que nous adressent-ils ?

À l'heure où l'intelligence linguistico-computationnelle semble s'imposer comme un modèle cognitif dominant, Rémi Lécussan crée des entités fragiles qui inquiètent notre relation au vivant, à la machine et à la signification elle-même, comme si écrire revenait toujours à tenter de savoir ce qui pourrait s'écrire au moment même où l'écriture advient, pour reprendre les mots de Marguerite Duras.

L'exposition déploie une écologie de la basse énergie et de la mémoire éphémère, en contrepoint critique à l'inflation computationnelle contemporaine. Par un bricolage lowcost, Lécussan hybride appareillage techno-informationnel et pratiques de domestication du vivant — mangeoires, volières ou fermes piscicoles – pour faire dérailler des machines langagières trop bien réglées. » (Morgan Larbar)

Rémi Lécussan (né en 1997) est un artiste français vivant et travaillant à Marseille. Diplômé en 2022 de l'ESAAIX, il présente sa première exposition personnelle l'année suivante à Glassbox Sud, à Montpellier. Sa pratique a été soutenue par des résidences à la Villa Belleville à Paris et une résidence d'un an à Artagon Marseille. Parmi ses expositions récentes figurent une exposition collective au Centre Wallonie-Bruxelles à Paris ainsi que sa première exposition personnelle internationale au Songshan Lake Boxes Art
Museum en Chine. Lauréat de la bourse de recherche en intelligence artificielle de l'ENSP d'Arles, il effectuera une résidence à Tirana, en Albanie, avec Art Explora au printemps 2026.

Morgan Labar (né en 1987), historien de l'art et critique, est directeur de l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon, après avoir dirigé l'École supérieure d'art d'Avignon (ESAA) de 2021 à 2024. Il enseigne à l'École du Louvre et est maître de conférences au département Arts de l'ENS (Ulm). Ancien élève de l'École Normale Supérieure, il est docteur de l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et a été chercheur postdoctoral de la Terra Foundation for American Art à l'INHA. Ses recherches portent sur la
construction des catégories esthétiques, des canons et des discours hégémoniques au sein des mondes de l'art.