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Émilie Aussel, en résidence à la Marelle

Virginie Domeny — 2026-03-24T08:58:49Z

Lieu de croisement pour les autrices, auteurs et artistes, La Marelle organise des résidences de création, à Marseille, à La Ciotat et dans la région Sud. Émilie Aussel, artiste-enseignante à l'ÉsaAix y séjournera du 14 au 28 avril.

Que faire de notre chagrin ?
Qu'il soit intime et immense avec la perte brutale de l'être aimé.
Qu'il soit celui que nous ressentons parfois dans notre corps face à l'état du monde.
La tristesse est grande, la colère et le sentiment d'injustice aussi.
Comment ne pas tomber
Comment ne pas sombrer ?
Nous avons ouvert les bras. Temps et sentiments mêlés.
La fête fut grande, la danse folle et contagieuse.
Nous nous sommes embrassés et nous avons dit oui.

Après la disparition de son compagnon, Emilie Aussel tente, lentement, de reprendre le fil de l'écriture. Deux formes s'imposent à elle, se nourrissant l'une de l'autre. Ce seront deux directions de travail, deux films qu'elle mènera en parallèle durant la résidence. L'un au plus près de l'expérience, dans l'adresse et la parole. L'autre dans sa transformation, dans le passage au collectif, au rituel, à la transe.

L'été l'éternité par Émilie Aussel

Virginie Domeny — 2026-03-24T08:30:07Z

Projection de L'été l'éternité, 75 minutes, 2021.
Précédée de La grotte des enfants perdus, 19 minutes, 2024

Séance unique suivie d'une discussion en présence de la réalisatrice, Émilie Aussel.

L'été l'éternité
Émilie Aussel - France 2021 1h15mn - avec Agathe Talrich, Marcia Feugeas, Matthieu Lucci, Idir Azougli, Nina Villanova, Antonin Totot, Rose Timbert, Louis Pluton, Emmanuel Rol, Safinah Mixty Mihidjay... Scénario d'Emilie Aussel, Emmanuelle Bayamack-Tam et Yacine Badday.

Vivre et aimer du haut de ses 18 ans, plonger dans l'insouciance de l'été, perdre brutalement sa meilleure amie, s'apercevoir que rien ne dure toujours, renaître.

Émilie Aussel considère son film comme le déploiement de ce qu'elle a mis en place précédemment. « De film en film, je sentais que je creusais un sillon : filmer la jeunesse et ses émois, le groupe, la solitude, la relation aux éléments, la mer, avec cette volonté de mêler trivial et sacré. Mes courts-métrages m'ont permis de cerner mon sujet, de façonner un regard fait de pudeur et de sensualité, d'aller plus loin dans la direction d'acteur, de travailler le rapport entre corps et paysage. » (d'après les propos recueillis par L. Beot dans Les Inrockuptibles)

La grotte des enfants perdus
Émilie Aussel - France 2024 19mn
Six étudiants, enfermés depuis des mois, s'échappent dans le massif de la Sainte-Baume. Au milieu de cette nature vibrante,
ils échangent des légendes et s'égarent dans les bois. L'enfance ressurgit et avec elle la violence d'un sentiment : l'espèce humaine n'est plus fréquentable.
Guidés par une présence enchanteresse, ils découvrent un trou béant dans la paroi rocheuse et s'y engouffrent. S'opère alors la métamorphose dont ils rêvaient tant.

So Far : exposition collective

Virginie Domeny — 2026-02-18T09:09:37Z

So Far, est une expression intraduisible ; elle exprime autant « jusqu'ici » que « sans garantie ». Son acronyme, « SF », renvoie, pour la philosophe des sciences Donna Haraway, au féminisme spéculatif, aux faits scientifiques, aux fabulations spéculatives, ou encore aux jeux de ficelles [String Figures].

« SF » formule autant de méthodes destinées à changer de point de vue, à tramer des conséquences dans les bauges réconfortantes, en vue de « penser avec une foule de compagnons1 », sans promesse de résultat, mais toujours intriqué.es les un.es aux autres.

Dans cette exposition, cette foule de compagnons comprend une vingtaine d'araignées domestiques, très certainement une communauté de blattes du panier, des taggeurs anonymes, une chanteuse de Zār, un indépendantiste exilé, un oncle surnommé Sisyphe, une tortue mystérieusement disparue, quatre complices et sept ami.es artistes.

Ces derniers ont formé.es une association en 2020, L'atelier des passeurs, afin de composer, couper, attacher, frayer des pistes ensemble, nouer des fils, feutrer des pensées. Toustes se connaissent depuis longtemps et ont en commun une pensée transfrontalière2, far away, déployée de part et d'autre de la méditerranée, entre le Maroc, l'Égypte, la France (plus particulièrement Marseille, où iels vivent) et l'Allemagne.

Références

Donna Haraway, « Une pensée tentaculaire, Anthropocène, Capitalocène, Chthulucène », Vivre avec le trouble, Les éditions des mondes à faire, 2020, p. 59
Walter Mignolo, « Géopolitique de la sensibilité et du savoir. (Dé)colonialité, pensée frontalière et désobéissance épistémologique », Mouvements n° 73, 2013

Les bousillés avec Linda Sanchez

Virginie Domeny — 2026-02-11T10:06:47Z

C'est en 2024, au cours de sa résidence à la cristallerie Saint-Louis que Linda Sanchez a pu développer sa série Les bousillés. Inspirée par le mouvement rotatif omniprésent dans la manufacture, cette exposition est l'opportunité de partager la réflexion de Linda Sanchez autour de cette circularité.

Réalisé en étroite collaboration avec les artisans de la cristallerie, un ensemble de toupies en cristal aux multiples formes sera mis en mouvement au sein de la Capsule.

Au cours de ce projet, Linda Sanchez, en étroite collaboration avec les artisans de la cristallerie, a créée des pièces uniques, développées à partir de recherches sur les couleurs et les motifs. Ici, plusieurs toupies sont exposées, et trois toupies d'entres elles sont mises à disposition du public pour être manipulées et testées. Le dispositif est également accompagné d'une vidéo montrant les toupies en rotation, et d'un texte de présentation retraçant le processus de création et la démarche de l'artiste.

Publication : Inventaire / Langages

Virginie Domeny — 2026-02-11T09:50:19Z

À l'occasion de la publication de la monographie de Violaine Lochu Inventaire / Langages (Paraguay Press, 2026), Florian Gaité signe le texte Monstrer l'autre.

Pensé en lien étroit avec la question de l'archive et de ses possibles activations, l'ouvrage retrace le travail mené sur une décennie par Violaine Lochu dans le champ de la performance, de la musique expérimentale et de la poésie sonore. « Créature cyborg, animal burlesque, drag alien ou bouffon·ne queer, les figures d'hybridité qu'interprète Violaine Lochu donnent à voir des autres proprement monstrueux, ou plutôt exhibent l'altérité dans toute sa monstruosité. Central dans son processus de création, l'autre apparaît dans ses pièces comme un·e être ontologiquement impur·e, engagé·e dans des actions étranges, dont la présence grotesque ou inquiétante, parfois les deux, met en crise les normes sociales, les assignations identitaires et les hiérarchies qu'elles recouvrent. Monstrer l'autre, au sens de læ jeter à la vue, équivaut chez elle à se monstrer, à devenir ce monstre que l'on ne parvient jamais vraiment à identifier. » (extrait)

Danser à n'en plus pouvoir. After, épuisement et anarchie

Virginie Domeny — 2025-12-16T07:31:56Z

Actualité éditoriale
Danser à n'en plus pouvoir. After, épuisement et anarchie par Florian Gaité

Paru dans le n° 290 de la revue canadienne Spirale, consacrée aux liens entre « Danse et dépense », cet article pose un regard sur l'articulation entre résistance et souveraineté des corps, saisie depuis les pratiques d'épuisement telles qu'elles se rencontrent en after. L'occasion de parler de l'impuissance comme dépassement du paradigme de l'autonomie, des stratégies d'ingouvernementabilité par incapacitation, de l'égalité radicale comme horizon d'attente festif et de l'after comme lieu de préfiguration politique.

« Si l'on doit voir dans l'after la mise en œuvre d'un projet anarchiste, c'est dans sa façon de rejouer la tension structurelle de la synthèse anarchiste qui cherche à concilier ses dimensions socialiste (l'anarchocommunisme) et individualiste (l'individualisme libertaire). Dans les afters, une solidarité entre épuisé·es s'installe d'elle-même. On y mutualise spontanément l'eau, les psychotropes ou les espaces de repos. Ces logiques d'entraide sont néanmoins toujours articulées au respect des trajectoires et des désirs individuels, comme des besoins et des capacités de chacun·e. Le soin se transforme facilement en hostilité ou en indifférence. La communauté de l'after reste une formation fondamentalement versatile, passagère et vulnérable, qui s'épuise elle-même en même temps que son potentiel politique. C'est peut-être en cela l'expression la plus aboutie de l'anarchie des Cyniques. Ni Dieu, ni maître, ni même l'énergie de s'y substituer. » (extrait)

Grazing Light

Virginie Domeny — 2025-12-01T13:59:12Z

Artiste-enseignant à l'ÉsaAix, Jérémie Setton, né en 1978, est doublement diplômé de l'École Supérieure d'Art d'Avignon — Art et Restauration d'œuvres peintes. Pour la Halle des bouchers, il conçoit un ensemble d'œuvres comme autant d'expériences hypersensibles.

La pratique artistique de Jérémie Setton se fonde sur une approche hypersensible de la lumière et de la couleur. Sa peinture, qui rencontre l'installation, s'attache à vriller notre perception des formes ou des espaces. Travaillant à la frontière du visible et l'invisible, elle provoque souvent une impression d'étrangeté, quelque chose comme le sentiment d'un infime déplacement d'abord indéfinissable. Contrariant les intensités lumineuses en nuançant avec une parfaite justesse les valeurs chromatiques de surfaces colorées et en les mettant sous une simple lumière artificielle, sa peinture transforme les volumes et fait immanquablement basculer le spectateur dans un entre- deux monde où l'objet et sa représentation semblent se confondre. Le volume devient totalement plan, les ombres disparaissent.

Le titre signifie Lumière rasante. Il fait référence à une technique d'éclairage latéral utilisée en restauration d'œuvres d'art pour révéler en détail la matérialité des surfaces picturales. Dans l'exposition, « Grazing light » ouvre des questionnements plastiques sur la perception des surfaces, des volumes, des images et des couleurs — lorsqu'elle est mise à l'épreuve de la lumière.

À travers son regard « scrutateur », Jérémie Setton nous invite à éprouver la relativité de la perception du réel. En développant pour chaque pièce des mises au point et des points de vue singuliers, il nous fait percevoir de manière sensible l'instabilité du réel. L'artiste superpose le réel et son double, se jouant de l'ambiguïté entre présence réelle et représentation.

Grazing Light (« lumière rasante ») renvoie notamment à une technique scientifique d'éclairage utilisée pour révéler la matérialité et l'histoire des surfaces. À travers son regard scrutateur, l'artiste transforme la lumière en véritable matière, et trouble les frontières entre réel, apparition et représentation.

Grazing signifie aussi effleurer, frôler, et suggère donc une proximité à la fois optique (vision rapprochée) et haptique (de l'ordre du toucher), mais aussi, de manière plus décalée, « brouter » (non sans lien avec l'histoire de la halle, mais aussi avec l'une des œuvres de l'exposition, qui s'apparente à une étendue herbeuse que nous sommes invités à aller « toucher des yeux »).

Le Tact des spectres. Xie Lei et la peinture hantologique

Virginie Domeny — 2025-11-26T09:10:55Z

Actualité éditoriale
Xie Lei. Monographie, 120 p., bilingue FR/EN, Paris, Sémiose éditions, 2025

Première monographie sur Xie Lei, cet ouvrage offre un tour d'horizon pour tenter de percer le mystère qui entoure sa peinture. Essais et entretiens, large portfolio, œuvres de références, un important matériel bibliographique et iconographique permet de sonder les origines de l'œuvre de Xie Lei, ses développements, ses évidences et ses ambiguïtés.

À l'occasion de la publication de la première monographie de Xie Lei, Florian Gaité analyse le traitement du toucher dans l'iconographie spectrale du peintre, lauréat du prix Marcel Duchamp 2025 : "La présence n'est peut-être plus qu'une chose du passé, un reste métaphysique frappé d'obsolescence, réduit à l'état de spectre. Pour les philosophes de la déconstruction, l'évidence sensible du présent vécu, ici et maintenant, ne suffit plus à la manifester pleinement. La présence doit aussi être appréhendée depuis ses absences, ses oublis, ses retraits, habitée par ce qu'on ne perçoit plus ou pas encore, par tout ce qui n'existe qu'à l'état de traces (la mémoire, le désir, l'inconscient ou la mort). Récusant l'ontologie, ou science de l'être, au profit d'une hantologique, ouverte aux spectres et au non-être, Jacques Derrida soutient que la présence relève d'un jeu d'écarts, d'une différance à soi qui la rend fuyante, proprement imprenable. Mais si alors la présence est ce qui ne se laisse pas saisir, est-il raisonnable d'espérer la représenter ? La peinture en a-t-elle seulement les moyens ? Ne devrait-on pas se résoudre à en faire le deuil ? L'œuvre de Xie Lei constitue une tentative de répondre à cette aporie. Sa peinture hantologique vise en effet à donner au spectral sa corporalité et, grâce à elle, à manifester l'étrangeté radicale du réel." (extraits)

Clou à clou X Loon-Plage

Virginie Domeny — 2025-11-10T14:56:27Z

Artiste-enseignante en dessin d'espace, Catherine Melin présente son travail au Frac Grand Large

Il s'agit de la deuxième édition d'un nouveau programme d'expositions in situ. Le titre tire son nom d'une catégorie de contrat d'assurance. Dans le cadre d'un prêt d'œuvres, un contrat d'assurance en « clou à clou » signifie que ces œuvres sont couvertes durant le transport aller, toute la durée de l'exposition, ainsi que pendant le transport retour vers son propriétaire.
Dans ce programme, les visiteur·euses sont invité·es à découvrir l'exposition « Garder la forme ? » qui a précédemment été présentée hors les murs, à Loon-Plage, mais dans une version « augmentée ». En dialogue avec la médiathèque de Loon-Plage, ses usagèr·es et des associations, le corpus d'œuvres initial s'agrandit, associant des œuvres de la collection du Frac Grand Large et d'ailleurs, des artefacts, et des contributions d'habitant·es.

Avec les œuvres de Bruce Nauman, Richard Hamilton, Judy Linn, Robert Doisneau, Richard Kalvar, Cécile Bart, Benoît MéléardD, Hollis Frampton, Saâdane Afif Collier Schorr, Catherine Melin, Daan Van Golden, Nefeli Papadimouli, Ellen Cantor et John Cussans, Smarin, Rirkrit Tiravanija et Frédéric Lefever

Festival Artifice numérique #08 : ROBOïd !

Virginie Domeny — 2025-10-23T16:34:46Z

Le Hublot organise pour la 8ème année son festival d'arts numériques, cette fois-ci sur la thématique des ROBOTS.
Venez découvrir une exposition immersive et futuriste autour des robots humanoïdes et de leurs interactions avec 5 installations d'arts numériques autour de l'intelligence artificielle, de la robotique et des essaims de micro-robots autonomes, 3 soirées festives et performatives et des ateliers de programmation de robots pour tous les publics, notamment scolaires et étudiants.

France Cadet y présentera Dog[LAB]01 une installation cinétique avec 5 robots. L'artiste détourne un robot-chien du commerce en y opérant des actes de piratage électronique. De ces manipulations robotiques naissent des créatures hybrides, à mi-chemin entre l'animal et la machine, qui interrogent notre relation ambivalente aux animaux et aux robots.

Vous retrouverez dans l'exposition une série d'installations cinétiques programmées par des artistes, Singin' in the Rain d'Erik Lorré, une symphonie sonore et visuelle de parapluies qui s'ouvrent et se referment en cadence, Dataline de Stéphane Bissières, une composition sonore causée par le seul enregistrement de datas sur une série de disques durs, Dog[LAB]01 de France Cadet, une œuvre précurseuse et historique sur le hacking de robots chiens et enfin DIYauto de Simon Lazare, une interface tactile pour composer des images et des sons.